Lata 60. to o wiele więcej niż odjazdowi hipisi, progresywni rockmani i modni fashioniści. A jeśli chodzi o filmy, miały one jedne z najwspanialszych postaci, jakie kiedykolwiek wymyślono.
Podczas gdy Hollywood nie przestawało produkować dopracowanych filmów studyjnych, popularność filmów obcojęzycznych pchnęła kino do przodu, oferując ambitne historie, tematy – i często niezwykłe postacie. Ruchy nowofalowe z Francji, Japonii i Włoch, nie wspominając o odrodzeniu westernów w całej Europie, wprowadziły mnóstwo atrakcyjnych, amoralnych antybohaterów. W międzyczasie, w Stanach Zjednoczonych, kilka największych gwiazd Hollywood podtrzymywało swoje profile, grając jedne z najbardziej kultowych postaci w historii kina.
Od dowcipnych rewolwerowców, przez kobiety z problemami, po kowbojów jeżdżących na głowicach nuklearnych – poniżej przedstawiamy 32 najwspanialsze postacie filmowe z lat 60. ubiegłego wieku.
32. płk George Taylor (Planeta małp)
(Zdjęcie: 20th Century Studios)
Kiedy grany przez Charltona Hestona pułkownik George Taylor, ludzki astronauta, w końcu wypowiada mowę w klasycznym filmie science-fiction Planeta małp z 1968 roku, jego słowa wybuchają jak eksplozja nuklearna, a późniejsza cisza ze strony chodzących, mówiących małp jest równie ogłuszająca. Na futurystycznej Ziemi rządzonej przez hiperinteligentne małpy, gdzie ludzie są niezrozumiałymi dzikusami, pułkownik Taylor jest awatarem całej ludzkości, jego pozostałością potężnego, ale aroganckiego gatunku skazanego na uświadomienie sobie naszego wielkiego upadku z dominacji.
31. Rosemary Woodhouse (Dziecko Rosemary)
(Zdjęcie: Paramount Pictures)
To niefortunne i ironiczne, że jeden z najlepszych filmów o utracie władzy przez kobietę pochodzi od reżysera Romana Polańskiego. Mimo to, klasyczny horror psychologiczny Polańskiego z 1968 roku Rosemary’s Baby jest przejmujący, z najbardziej wyrazistą Mią Farrow w jego centrum. Farrow gra Rosemary Woodhouse, młodą żonę odnoszącego sukcesy nowojorskiego aktora teatralnego, której ciąża wywołuje wszelkiego rodzaju niewytłumaczalne kłopoty i nawiedzenia w ich nowym mieszkaniu. Rosemary’s Baby zawiera jedno z najmroczniejszych zakończeń wszechczasów i tak bardzo wpływa na naszą trwałą pamięć o Rosemary – niewinnej kobiecie, całkowicie zepsutej od wewnątrz przez niewypowiedziane zło.
30. Lucky Jackson (Viva Las Vegas)
(Image credit: MGM)
Jeden z najlepszych filmów Elvisa Presleya, Viva Las Vegas, w którym tytan rock’n’rolla wciela się w śpiewającego kierowcę wyścigowego, który zakochuje się w nauczycielce pływania w hotelu Las Vegas (granej przez piękną Ann-Margret). Chociaż Lucky Jackson jest nieskomplikowany, jest idealną definicją chłodu dzięki białemu gorącemu Presleyowi, którego bezwysiłkowa prezencja sceniczna ładnie przełożyła się na karierę filmową przez ponad dekadę. Nawet jeśli tak wiele z tego filmu można zapomnieć, jego tytułowa piosenka „Viva Las Vegas” jest tak nieprzyzwoicie chwytliwa, a występ Presleya sprzedaje jej magnetyzm.
29. Stara kobieta (Onibaba)
(Image credit: Toho)
W klasycznym horrorze Kaneto Shindo Onibaba, którego akcja rozgrywa się w XIV wieku, dwie kobiety – stara kobieta (grana przez Nobuko Otowa) i jej młoda synowa (Jitsuko Yoshimura) – porywają zagubionych samurajów, pozbywają się ich ciał i sprzedają swoje towary za pieniądze. Ostatecznie zazdrość i podejrzenia dzielą intrygujące kobiety na ich własną gorzką wojnę domową, w której postać Otowy ulega złowrogiej nadprzyrodzonej istocie (poprzez demoniczną maskę na twarz). Mrożący krew w żyłach występ Otowej ukazuje odrażający mrok kobiety zdającej sobie sprawę ze swojego losu w dosłownym obliczu zła, tworząc trwały obraz bezradności ludzkości wobec sił magicznych.
28. Michel (Bez tchu)
(Image credit: Société nouvelle de cinÉmatographie)
Michel, prototypowy bohater francuskiego kina nowofalowego, grany przez Jean-Paula Belmondo, jest skazanym na porażkę bohaterem arcydzieła Jeana-Luca Godarda Bez tchu. Drobny przestępca, który cierpi na krótkowzroczność i urojenia romantyzmu, Michel celowo wzoruje się na Humphreyu Bogarcie, a przez jego romans z piękną amerykańską studentką dziennikarstwa w Paryżu, jego fetyszyzm dla hollywoodzkich szczęśliwych zakończeń odczytuje się jako ironię, biorąc pod uwagę ponury los, który go czeka. Michel nie jest złym człowiekiem. W każdym razie nie do końca. Jest po prostu trochę zagubiony w swoim fantazyjnym tworzeniu własnego wizerunku.
27. Król Ghidorah (Ghidorah, trójgłowy potwór)
(Zdjęcie: Toho)
W 1954 roku Godzilla wynurzył się z głębin i przeszedł przez Tokio, niszcząc to miejsce swoim atomowym oddechem. Dziesięć lat później Godzilla stał się obrońcą Ziemi przed jeszcze większym zagrożeniem: Ghidorah, trójgłowym złotym smokiem przywołującym japoński mit. Bez względu na jego pochodzenie, czy to starożytne, czy obce, Ghidorah – który zadebiutował na ekranie w filmie Ghidorah, the Three-Headed Monster z 1964 roku – cieszy się trwałym statusem jednego z największych rywali Godzilli, bestii zdolnej do ogromnego zniszczenia. Ghidorah jest po prostu wspaniałym filmowym potworem wszech czasów i wznosi się ponad inne w kanonie Godzilli ze względu na swoją onieśmielającą prezencję.
26. Barbarella (Barbarella)
(Zdjęcie: Paramount Pictures)
Zanim księżniczka Leia pojawiła się w odległej galaktyce, istniała Barbarella. Barbarella, duszna kosmiczna wojowniczka ożywiona przez żywiołową Jane Fondę, to pełna energii bohaterka, która nosi swoją seksualność na rękawie. (Cóż, nosiłaby, gdyby miała rękawy). Barbarella Fondy, będąca hołdem z końca lat 60. dla pikantnych komiksów pulpowych, jest radośnie głupia, oferując głębię tematyczną, która jest tylko głęboka jak skóra. Mimo to, dzięki talentowi i urodzie jednej Jane Fondy, Barbarella jest kultową królową ekranu sci-fi, która może sprawić, że przestrzeń będzie zbyt gorąca, by sobie z nią poradzić.
25. Christine (Oczy bez twarzy)
(Źródło zdjęcia: Janus Films)
To poetyckie, że w „Oczach bez twarzy” Georges’a Franju to osoba z najbardziej ohydną deformacją twarzy pozostaje nienaruszona. W klasycznym francuskim horrorze Franju, Édith Scob wciela się w rolę Christine, przypuszczalnie zmarłej córki słynnego lekarza doktora GÉnessiera (Pierre Brasseur). W rzeczywistości Christine przeżyła brutalny wypadek samochodowy i w swojej izolacji cierpi z powodu niszczycielskich blizn. To skłania doktora GÉnessiera (i jego asystenta) do porywania pięknych młodych kobiet i pobierania ich twarzy do eksperymentalnych procedur w celu „wyleczenia” dolegliwości Christine. Ale podczas gdy jej ojciec stał się potworem, Christine zachowuje swoje człowieczeństwo, nawet jeśli społeczeństwo zewnętrzne unika jej w zamian.
24. Butch Cassidy i Harry Longabaugh (Butch Cassidy i Sundance Kid)
(Zdjęcie: 20th Century Studios)
W swojej pierwszej ekranowej parze Paul Newman i Robert Redford zabłysnęli jako wyjęci spod prawa rewolwerowcy Butch Cassidy i „Sundance Kid” Harry Longabaugh. Szczycąc się uzupełniającymi się kontrastującymi osobowościami – Butch jest żywiołowym strzelcem, a Harry woli trzymać kapelusz nisko i skupiać uwagę na nauczycielce Etcie – obaj zdobyli swoje miejsce jako jeden z najlepszych męskich duetów w kinie, będąc wzorem dla par komedii akcji na nadchodzące dziesięciolecia. Na długo przed tym, jak media społecznościowe i TikTok spopularyzowały ideę „jazdy i śmierci”, Butch Cassidy i Harry Longabaugh żyli zgodnie z tym duchem, ciesząc się nieśmiertelnością w swoim zamrożonym ujęciu zamykającym.
23. Dolores Haze (Lolita)
(Zdjęcie: MGM)
Jak oni w ogóle zrobili film o Lolicie? Obsadzili 14-letnią Sue Lyon, oto jak. W kontrowersyjnej, ale słynnej adaptacji powieści Vladimira Nabokova autorstwa Stanleya Kubricka, Lyon gra Dolores Haze, obiekt (i rzeczywiście jest obiektem) uczuć profesora Humberta Humberta w średnim wieku. Przy wszystkich odczytaniach Lolity, zarówno powieści, jak i jej nierozerwalnych wersji filmowych, zawsze pozostaje kwestia samej Dolores. Ani razu nie używa pseudonimu „Lolita”. Używają go inni, w efekcie pozbawiając ją podmiotowości.
Niestety, niezapomniana rola Lyons miała dla niej samej niezwykle pasujące wady, ponieważ Lyons wyraziła później trudności z utrzymaniem zdrowia psychicznego i emocjonalnego po tym, jak w młodym wieku zyskała sławę z powodu swojej seksualności. W 1996 roku Lyons powiedziała The Independent: „Moje zniszczenie jako osoby datuje się od tego filmu. Lolita wystawiła mnie na pokusy, których nie powinna doświadczać żadna dziewczyna w tym wieku. Przeciwstawiam się każdej ładnej dziewczynie, która w wieku 14 lat zostaje wyniesiona do sławy w roli seksualnej nimfetki, aby później pozostała na równej ścieżce”.”
22. Dolly Levi (Hello, Dolly!)
(Źródło zdjęcia: 20th Century Studios)
W większości wersji musicalu Hello, Dolly!Dolly Levi jest ukochaną kobietą w średnim wieku, której nowe życie sprawia, że chętnie dobiera singli i wtrąca się w sprawy innych. W wersji filmowej z 1969 roku z supergwiazdą Barbarą Streisand, Dolly Levi jest odrobinę bardziej szorstka, ale nie mniej przyjemna do oglądania, będąc tak żywą i kolorową, jak jej olśniewająca garderoba. Chociaż Streisand podobno nie dogadywała się za kulisami ani ze swoim partnerem Walterem Matthau, ani z reżyserem Gene’em Kelly’m, nie przeszkodziło to Dolly Levi eksplodować blaskiem.
21. Lucas „Luke” Jackson (Cool Hand Luke)
(Źródło zdjęcia: Warner Bros.)
Paul Newman na zawsze ugruntował swoje miejsce w historii kina dzięki roli zbuntowanego więźnia Luke’a Jacksona w klasycznym Cool Hand Luke Stuarta Rosenberga z 1967 roku. Gdy niezrównana charyzma gwiazdy filmowej Newmana przenika przez brudne więzienne wątki Luke’a, Luke staje się patronem buntu, zakłócając opresyjny establishment z prawdziwym poczuciem humoru. Jako aspirująca postać anarchii, Luke Jackson sprawia, że zamieszanie w gangu łańcuchowym wygląda cholernie dobrze.
20. porucznik Frank Bullitt (Bullitt)
(Zdjęcie: Warner Bros.)
Jeździ Mustangiem jak nikt inny i dobrze przy tym wygląda. W filmie, który zdefiniował karierę Steve’a McQueena, McQueen gra twardego detektywa policji z San Francisco, Franka Bullitta, który bada sprawę związaną z mafią z Chicago. Szczerze mówiąc, szczegóły fabuły nie mają znaczenia. Ponieważ wszystko, co naprawdę pamięta o Bullitt, oprócz epickiego pościgu samochodowego, to to, jak fajny jest Frank Bullitt. Grany przez McQueena, Frank Bullitt chodzi i mówi, jakby wyskoczył z magazynu. Pomiędzy jego wartym ślinienia się swetrem z golfem i godnym pozazdroszczenia Fordem Mustangiem, postacie takie jak Bullitt biegały, aby inni, tacy jak John McClane i John Wick, mogli biegać.
19. Ryunosuke (Miecz zagłady)
(Zdjęcie: Toho)
Wbrew popularnym wyobrażeniom o samurajach jako szlachetnych żołnierzach ceniących honor, film Kihachi Okamoto z 1966 roku Miecz zagłady opowiada o amoralnym szermierzu Ryunosuke (Tatsuya Nakadai), który wędruje po feudalnej Japonii, pozostawiając na swojej drodze rozlew krwi. Zimny i okrutny Ryunosuke wykorzystuje swój własny styl walki na miecze, złowrogą formę zwaną „Silent Stance”, która oszukuje przeciwników, aby wciągnąć ich przed cięciem. Mroczny antybohater, który żyje i walczy tylko dla siebie, Ryunosuke jest jedną z najbardziej przerażających postaci w historii filmów samurajskich, będąc kimś, kto po cichu kpi z kodeksu Bushido, będąc szybszym, silniejszym i bardziej zabójczym niż każdy, kto stanie mu na drodze.
18. Maria Von Trapp (Dźwięki muzyki)
(Zdjęcie: 20th Century Studios)
Jak rozwiązać taki problem jak Maria? Rok po tym, jak Julie Andrews zagrała magiczną nianię dla kilku brytyjskich bachorów w Mary Poppins, ponownie została guwernantką siedmiu austriackich odmieńców w filmowej wersji „Dźwięków muzyki” Rogera i Hammersteina autorstwa Roberta Wise’a. Podczas gdy Mary Poppins unosi się z całą magią Disneya, Maria Von Trapp Andrews jest bardziej przyziemna, będąc pouczającą nauczycielką tego, co to znaczy cieszyć się życiem i podejmować wiele wyzwań za pomocą piosenki. Dzięki wspaniałemu występowi Andrews, Maria Von Trapp nie jest „problemem”, który wymaga rozwiązania.
17. Major T.J. Kong (Dr. Strangelove)
(Zdjęcie: Columbia Pictures)
Peter Sellers gra wiele postaci w filmie Stanleya Kubricka Dr. Strangelove, ale jest jedna postać, której nie gra, a która inspiruje jeden z jego najtrwalszych obrazów. Slim Pickens występuje w satyrze wojennej z 1964 roku jako major T.J. „King” Kong, karykaturalnie patriotyczny dowódca B-52, który jeździ bombą H na ziemię, krzycząc i krzycząc przez całą drogę w dół. Najlepsze jest to, że Pickensowi nie powiedziano, że film jest czarną komedią, a cały jego występ jest wynikiem grania roli tak prosto, jak to tylko możliwe. Co więcej: według biografa Kubricka Johna Baxtera w wywiadzie dokumentalnym, Slim Pickens pojawił się na planie pierwszego dnia ubrany od stóp do głów w strój kowbojski. Wszyscy myśleli, że przybył w kostiumie. Później dowiedzieli się, że Slim Pickens po prostu zawsze tak się ubierał w prawdziwym życiu.
16. Pani Robinson (Absolwent)
(Źródło zdjęcia: Lionsgate)
To dla ciebie, pani Robinson. W ponadczasowym dramacie komediowym Mike’a Nicholsa Anne Bancroft wciela się w rolę nieprzewidywalnej uwodzicielki pani Robinson, kobiety w średnim wieku w małżeństwie bez miłości, która nawiązuje gorący romans z młodym absolwentem college’u Benjaminem (Dustin Hoffman). Powoli pani Robinson staje się antagonistką filmu, wykorzystując ich romans do powstrzymania Benjamina przed umawianiem się z jej córką Elaine. Bardzo emocjonalna i manipulująca, pani Robinson jest dowodem na to, że jednymi z najlepszych filmowych złoczyńców są ci, którzy potrafią zwabić cię uśmiechem i dymem.
15. „Pierrot” Ferdinand i Marianne (Pierrot le Fou)
(Image credit: Lionsgate)
W dziesiątym filmie Jeana-Luca Godarda Pierrot le Fou, który jest powszechnie uważany za jego arcydzieło i uosobienie francuskiej Nowej Fali, często współpracujący Jean-Paul Belmondo i Anna Karina wcielają się odpowiednio w Ferdynanda i Mariannę. Ferdinand, mąż niezadowolony ze współczesnego życia, decyduje się na ucieczkę nad Morze Śródziemne z Marianne, byłą dziewczyną uciekającą przed rządowymi zabójcami. Oboje rozpoczynają życie przestępcze, prawdziwą wersję Bonnie i Clyde’a z lat 60., tyle że z dużo większą ilością eksplozji samochodów, strzelanin i łamania czwartej ściany. Razem są jednymi z najlepszych postaci, jakie kiedykolwiek pojawiły się we francuskim kinie i zajmują swoje miejsce na swój własny, niezwykły sposób.
14 Dziadek Paula (Ciężka noc)
(Zdjęcie: United Artists)
Każdy ma prawo do dwóch. W surrealistycznej komedii A Hard Day’s Night z udziałem legendarnego zespołu rockowego The Beatles, Wilfrid Brambell wciela się w rolę Johna McCartneya, „dziadka” Paula McCartneya, który towarzyszy zespołowi podczas podróży do Londynu i okolic. Zachowując się jak trickster prosto z bajki, „Dziadek Paula” przymyka nos na wszelkie wyobrażenia o tym, że jest po prostu miłym staruszkiem, pakując się w różnego rodzaju kłopoty, od spontanicznego ponownego małżeństwa po próby sprzedawania podrobionych autografów. Nawet w filmie pełnym żartownisiów, dziadek Paula zachwycająco się wyróżnia, zachowując się tak, jakby cały film był o nim.
13) Inspektor Jacques Clouseau (Różowa Pantera)
(Źródło zdjęcia: United Artists)
Niezdarny, ale zawsze na tropie sprawy, bez względu na to, jak bardzo błagasz go, aby nie był, inspektor Jacques Clouseau jest komicznym lustrem do bohaterów twardych tajemnic. Pochodzący z satyry Różowa Pantera z 1964 roku Blake’a Edwardsa, Clouseau był czymś w rodzaju odkrycia granego przez Petera Sellersa. Film w rzeczywistości koncentruje się wokół Sir Charlesa Lyttona Davida Nivena, dżentelmena złodzieja próbującego udaremnić nieudolnego Clouseau. Podczas produkcji filmowcy zdali sobie sprawę, jak bardzo Clouseau grany przez Sellersa był skradaczem scen, dlatego też zaczęli dostosowywać film wokół niego, a nie jego „głównego” bohatera. Podczas gdy Clouseau pomógł przekształcić Różową Panterę we franczyzę, jego pierwsze pojawienie się w pierwszym filmie to przesadna wesołość w najlepszym wydaniu.
12. HAL 9000 (2001: Odyseja kosmiczna)
(Zdjęcie: MGM)
Gdy science fiction dojrzewało jako gatunek filmowy w latach sześćdziesiątych, nieśmiertelny klasyk Stanleya Kubricka 2001: Odyseja kosmiczna pokazał, jak sztuczna inteligencja może być naturalnie przerażająca. W filmie Kubricka mrożący krew w żyłach superkomputer HAL 9000, który został zaprojektowany, by pomagać naukowcom na pokładzie statku kosmicznego Discovery One w drodze na Jowisza, staje się ich wrogiem, zabijając ich i wykorzystując statek do wyniszczania załogi jeden po drugim. Mimo że HAL 9000 jest czarnym charakterem, po tylu latach ludzkość wciąż nie wie, jak odpowiedzieć na pytania, takie jak wartość życia, nawet jeśli są to „tylko” maszyny.
11. Corie Bratter (Barefoot in the Park)
(Zdjęcie: Paramount Pictures)
W wyreżyserowanej przez Gene’a Saksa filmowej wersji sztuki teatralnej Neila Simona, Jane Fonda wciela się w pełną życia i namiętności Corey, świeżo poślubioną żonę konserwatywnego prawnika Paula (Robert Redford). Podczas gdy Paul twardo stąpa po ziemi, Corey robi wszystko, co w jej mocy, by ich małżeństwo było niebiańskie, nawet gdy dziura w szklanym dachu sprawia, że staje się to zbyt dosłowne. Seksowna i rewelacyjna Corie, a właściwie Barefoot in the Park jako całość, to film czasami pomijany i niedoceniany w kanonie filmów z lat 60. Jest to jednak jedna z najbardziej żywiołowych komedii dekady, a bezgraniczny urok Fondy jako Corie sprawia, że film jest marzeniem.
10. Ben (Noc żywych trupów)
(Źródło zdjęcia: Janus Films)
W podstawowym horrorze o zombie George’a Romero Noc żywych trupów, aktor Duane Jones wcielił się w rolę Bena, nieznajomego, który staje się de facto przywódcą grupy ludzi w wiejskiej Pensylwanii w noc, gdy nieumarli uczą się chodzić wśród żywych. Podczas gdy widzowie dowiadują się niewiele o tym, kim naprawdę jest Ben przed filmem, nadal błyszczy on jako prototyp przyszłych bohaterów survival horrorów. Night of the Dead był rewolucyjny jak na swoje czasy i pod pewnymi względami nadal jest, ze względu na obsadzenie czarnoskórego aktora płci męskiej, takiego jak Jones, w roli głównej. Jego obecność stanowi zaprzeczenie konwencjonalnej mądrości na temat tego, jak sprzedają się filmy, jakie historie mogą zakotwiczyć czarnoskórzy mężczyźni i jak jego mrożące krew w żyłach zakończenie pokazuje, jak nasze uprzedzenia sprawiają, że jesteśmy ślepi na naszych prawdziwych wrogów.
9. Guido Anselmi (8 ½)
(Zdjęcie: Janus Films)
Wcielając się w postać reżysera Frederico Felliniego, Marcello Mastroianni wcielił się w filmowca cierpiącego na twórczą posuchę, dzięki czemu jego słynny film 8 ½ nabrał znaczącej atmosfery autorefleksji. (Tytuł również jest wyraźnym ukłonem w stronę kariery Felliniego, odnosząc się do jego ośmiu poprzednich filmów). Jednak Fellini w niczym nie przypomina swojego projektowanego alter ego: Guido Anselmiego, męskiego artysty o srebrnych włosach, który ukrywa swoje tlące się oczy za drogimi okularami przeciwsłonecznymi. Nigdy wcześniej torturowane wizjonerskie dusze nie wyglądały tak stylowo, a Guido Anselmi jest ich wzorem.
8) Holly Golightly (Śniadanie u Tiffany’ego)
(Zdjęcie: Paramount Pictures)
Filmowa wersja Śniadania u Tiffany’ego Blake’a Edwardsa wprowadza kilka krytycznych poprawek do postaci Holly Golightly z oryginalnej powieści Trumana Capote. Ale sama blask jedynej w swoim rodzaju Audrey Hepburn pozwala Holly czuć się wymiarową i złożoną pomimo jej szykownego wyglądu zewnętrznego. Holly jest nie tylko ikoną stylu uosabiającą wielkomiejską modę lat 60-tych, jest także figurką jak ze snu, istotą, która mogłaby zostać stworzona tylko w zamkniętym środowisku hollywoodzkiego rom-comu, ale wciąż czuje się na tyle żywa, by wyjść z ekranu. Jest piękna i wyrafinowana, ale nigdy nie jest zbyt dobra na serdeczny śmiech. To, że jest równie niespokojna, co samotna, dodaje jej uroku. Nawet magazyny o modzie mają skłonność do zmarszczek.
7. Nana (Vivre sa vie)
(Image credit: Janus Films)
Filmy nie zawsze mają szczęśliwe zakończenia. Ludzie, którzy gonią za marzeniami, nie zawsze są nagradzani za swoje wysiłki i wytrwałość. Taka właśnie myśl przyświeca mrocznemu nowofalowemu dramatowi Jeana-Luca Godarda Vivre sa vie. Anna Karina wciela się w rolę pięknej, młodej paryżanki o imieniu Nana, która opuszcza męża i niemowlę, by rozpocząć karierę aktorską, ale by związać koniec z końcem, ucieka się do prostytucji. Okrutne zakończenie Vivre sa vie jest nie tylko surowe w swojej konstrukcji – eksplozja przemocy, po której następuje nagłe cięcie do czerni – ale także to, jak nieostrożnie pozbywa się złożonej głównej postaci, osoby, którą widzieliśmy wyrażającą pełen zakres człowieczeństwa tylko po to, by nagle zostać porzuconą.
6. Norman Bates (Psychoza)
(Zdjęcie: Universal Pictures)
Psychoza to nie tylko jeden z najbardziej wpływowych horrorów wszech czasów, jego antagonista Norman Bates (Anthony Perkins) jest jedną z najważniejszych postaci w historii kina. Można przeprowadzić cały kurs uniwersytecki na temat tego, co Norman Bates reprezentuje w dziedzinie psychologii i gender studies, nie wspominając już o tym, jak horrory i filmy suspensu opierają się na zwrotach akcji, aby utrzymać widzów w niepewności, tak jak zrobił to Psycho. Ale przede wszystkim to Anthony Perkins nadał Normanowi Batesowi niesamowitą teksturę, zamieszkując go mniej jak aktor odgrywający rolę, a bardziej jak wilk przyjmujący przebranie. Coś kryje się za jego uśmiechem i nic z tego nie jest dobre.
5) Dr John Wade Prentice i Christina Drayton (Zgadnij, kto przyjdzie na obiad)
(Zdjęcie: Columbia Pictures)
W pewnym sensie nie ma nic niezwykłego w doktorze Johnie Prentice i Christine Drayton. To zakochani yuppies, których łatwo sobie wyobrazić w dopasowanych koszulkach Mickey i Minnie w Disneylandzie lub zachwycających się jakimś nudnym łóżkiem i śniadaniem. Ale film Stanleya Kramera Guess Who’s Coming to Dinner został wydany w 1967 roku, kiedy mieszaństwo było nadal nielegalne w wielu częściach Stanów Zjednoczonych. Tak więc ta sympatyczna para, czarnoskóry lekarz (legendarny Sidney Poitier) i młoda biała córka (Katharine Hepburn) zamożnych białych liberałów, są w rzeczywistości radykalnymi postaciami, mniej jako ludzie, niż to, co reprezentują: jak miłość może i będzie wykraczać poza pochodzenie rasowe. Bycie lekkim rom-comem, który jednoznacznie zmaga się z rasizmem poprzez swoją wspaniałą parę, sprawia, że Zgadnij, kto przyjdzie na obiad jest nieskończenie ważniejszy i bardziej konsekwentny, niż sugeruje jego dobry wygląd.
4. Sanjuro (Yojimbo i Sanjuro)
(Image credit: Toho)
Toshiro Mifune przez całą swoją filmową karierę wcielał się w postacie inne niż samurajowie. Wciąż jednak jest z nimi mocno kojarzony, a to za sprawą filmów takich jak Yojimbo i Sanjuro, w których wcielił się w rolę wędrownego anonimowego ronina o imieniu Sanjuro. Podczas gdy Yojimbo i Sanjuro to różne filmy pod względem fabuły – ten drugi powstał jako adaptacja powieści, zanim został przerobiony na bezpośrednią kontynuację odnoszącego ogromne sukcesy pierwszego – oba mają ognistego Toshiro Mifune jako przerażającego szermierza, który wplątuje się w różne sprawy podczas swoich podróży. Jeśli filmy samurajskie są naprawdę analogiczne do westernów, to postać taka jak Sanjuro z pewnością może rywalizować, a może nawet mieć wiele wspólnego, z postaciami takimi jak Człowiek bez imienia.
3) Człowiek bez imienia (trylogia Dollars)
(Image credit: MGM)
Nie było zamiarem Sergio Leone, by bezimienny rewolwerowiec Clinta Eastwooda stał na czele filmowej trylogii. Zaczynając jednak od A Fisful of Dollars z 1964 roku, a kończąc na The Good, the Bad, and the Ugly z 1966 roku, Clint Eastwood zagrał jednego z największych i najbardziej enigmatycznych antybohaterów w całym kanonie westernów. Ożywiony przez spoconego Eastwooda, ze zmrużonymi migdałowymi oczami, złym nastawieniem i poncho (którego ekranowe początki faktycznie tworzą częściowo zdefiniowaną oś czasu trylogii), Człowiek bez imienia jest po prostu jednym z najfajniejszych i najniebezpieczniejszych mężczyzn, którzy kiedykolwiek trzymali rewolwer, postacią kształtującą, której postacie takie jak John Wick, John Marston i Mandalorianin są dłużnikami.
2. James Bond (seria 007)
(Image credit: MGM)
Nazywa się Bond… James Bond. Począwszy od problematycznego szpiega z dzieł literackich Iana Fleminga, to Sean Connery na zawsze ukształtował nasze wrażenie i późniejsze oczekiwania wobec Jamesa Bonda na nadchodzące dziesięciolecia. Jest przystojny, charyzmatyczny i nieco zbyt porywczy jak na współczesne gusta. Ale to Bond, człowiek akcji i człowiek tajemnicy, którego pokolenia zawsze będą aspirować do naśladowania.
1. Atticus Finch (Zabić drozda)
(Zdjęcie: Universal Pictures)
Potrzeba czegoś więcej niż tylko wiedzy, by postępować właściwie. Trzeba umieć postępować właściwie, bronić swoich racji i argumentować za nimi. Nawet wtedy, gdy ludzie wokół ciebie patrzą ci prosto w oczy, twierdząc, że jest inaczej. W nakręconej przez Roberta Mulligana filmowej wersji klasycznej powieści Harper Lee, Gregory Peck tchnął życie w modelowego prawnika Atticusa Fincha, który argumentuje w imieniu niewinnego czarnoskórego mężczyzny oskarżonego o gwałt na młodej białej kobiecie w segregowanej Alabamie. (To Kill a Mockingbird został wydany na pełne dwa lata przed tym, jak ustawa o prawach obywatelskich z 1964 roku uznała segregację za niezgodną z prawem).
Popularna legenda głosi, że Atticus Finch był niewygodnym wzorem do naśladowania wśród idealistycznych prawników. Ale to nie neguje siły Atticusa jako postaci, pouczającej w swojej moralności i gwiazdy północnej dla nas wszystkich, abyśmy wiedzieli, że dobro i zło nie jest prostą kwestią tego, co wszyscy myślą, że tak jest. Atticus Finch to nie tylko jedna z najlepszych postaci filmowych lat sześćdziesiątych – to jedna z najlepszych, jakie kiedykolwiek stworzono.