Po tym, jak minęło deliryczne szaleństwo nowego tysiąclecia, widzowie wkroczyli w 2000 rok, rzucając wyzwanie, cóż, wszystkiemu. Działo się tak wiele, że łatwo zapomnieć o niektórych filmach. Ale które z nich są tak naprawdę najbardziej niedocenianymi, w większości zapomnianymi filmami lat 2000?
Kiedy histeria związana z Y2K ucichła, lata 2000 przyniosły szereg egzystencjalnych wyzwań, które prześladowały widzów kinowych. Od terroryzmu, przez bankructwo, po szybki rozwój Internetu i mediów społecznościowych, w 2000 roku hollywoodzkie hity stawały się coraz większe, podczas gdy kino niezależne przyciągało widzów mniejszymi, bardziej intymnymi historiami. Wspomniany wcześniej Internet również odegrał ogromną rolę w zmianie filmów na zawsze; streaming Netflix rozpoczął się w 2007 roku, zapoczątkowując niezgłębioną zmianę w sztuce i biznesie filmowym, której niewielu mogło się spodziewać.
Przy tak wielu wydarzeniach, które miały miejsce w 2000 roku, zbyt łatwo jest zapomnieć o niektórych filmach, nawet jeśli widzieli je Państwo wcześniej. Oto 32 najlepsze filmy z lat 2000, o których (prawdopodobnie) wszyscy zapomnieli.
32. Pociąg z mięsem o północy (2008)
(Zdjęcie: Lionsgate)
Zanim Bradley Cooper stał się stałym bywalcem Oscarów, poprowadził mało widziany horror The Midnight Meat Train japońskiego reżysera Ryuhei Kitamury. Oparty na opowiadaniu Clive’a Barkera, Cooper gra fotografa, który ma obsesję na punkcie seryjnego mordercy (w tej roli Vinnie Jones), który atakuje ofiary w metrze. Wydany w czasach, gdy filmy „torture porn” podobne do Piły były w modzie, The Midnight Meat Train przeszedł bez większego rozgłosu, choć pozostaje ulubionym filmem, tym bardziej w cieniu supergwiazdy Coopera. Prawdziwa siła filmu tkwi w jego głównym przesłaniu, w tym, że rzeczy, które nas przerażają, są również rzeczami, które nas intrygują i przyciągają nas bliżej.
31. Dziewczyna z sąsiedztwa (2004)
(Źródło zdjęcia: 20th Century Studios)
Sprośny rom-com niepodobny do żadnego innego, The Girl Next Door z Emilie Hirsch w roli ambitnego licealisty, który dowiaduje się, że jego sąsiadka, piękna, żywa młoda kobieta (grana przez Elishę Cuthbert) jest gwiazdą filmów dla dorosłych. Przezabawny i zaskakująco rozgrzewający, jego dziwne założenie nie wzbudziło entuzjazmu współczesnych krytyków, którzy wystawili filmowi średnie recenzje. Jednak od czasu premiery, The Girl Next Door zyskał zagorzałych fanów, którzy dostrzegają coś słodkiego pod jego skąpo odzianą powierzchnią. Pomaga w tym fakt, że w filmie wystąpili również Timothy Olyphant i Paul Dano, którzy z czasem stali się jeszcze bardziej znani.
30. Kill Zone (2005)
(Zdjęcie: ABBA Movies Co. Ltd.)
Supergwiazda Donniego Yena dzięki serii Ip Man zwróciła uwagę na jego wcześniejszą twórczość, w szczególności na jego filmy akcji z lat 2000. Nad nimi wszystkimi góruje SPL: Sha Po Lang (wydany w Stanach Zjednoczonych pod bardziej krzykliwym tytułem Kill Zone), gwiazdorska bijatyka wyreżyserowana przez Wilsona Yipa. Yen gra policjanta z Hongkongu, który zostaje przeniesiony do komisariatu, który jest bliski schwytania głównego bossa triady. Kill Zone, w którym wystąpili również Sammo Hung, Simon Yam i Wu Jing, to gangsterska epopeja w gwiazdorskiej obsadzie z olśniewającą choreografią, która dzieli różnicę między bezwzględnym realizmem a przesadnym chaosem. Choć Kill Zone był hitem w całej Azji, nie zdobył jeszcze większego zainteresowania na całym świecie.
29. The Savages (2007)
(Zdjęcie: Fox Searchlight Pictures)
W tej zachwycającej czarnej komedii Tamary Jenkins, Philip Seymour Hoffman i Laura Linney wcielają się w rolę kłótliwego rodzeństwa, którego dorastający brak ojca nie dał im instrukcji, jak być rodziną. Ale kiedy ich nieobecny ojciec (Philip Bosco) zaczyna wykazywać oznaki demencji, rodzeństwo w końcu uczy się, jak kochać się nawzajem, zanim będzie za późno. Pomimo trudnego i ciężkiego założenia, The Savages nigdy nie przestaje inspirować do śmiechu. Dlaczego miałoby tak nie być? Spójrzmy prawdzie w oczy, niewiele rzeczy na Ziemi jest tak zabawnych jak rodzina. Pomimo kilku nominacji do Oscara, The Savages został w dużej mierze przeoczony.
28. Beerfest (2006)
(Zdjęcie: Warner Bros. Pictures)
Lata 2000 były złotym wiekiem dla komedii z oceną R, a jedną z dynastii tej epoki była grupa komediowa Broken Lizard. Podczas gdy ich komedia Super Troopers z 2002 roku pozostaje nieskończenie cytowana, ich sportowa satyra Beerfest z 2006 roku zasługuje na tyle samo, jeśli nie więcej miłości. Rozgrywający się w podziemnym świecie konkurencyjnego picia piwa, Beerfest podąża za grupą niechlujnych Amerykanów, którzy trenują przez rok, aby zagrać przeciwko elitarnej niemieckiej drużynie, która splamiła honor ich rodziny. Prawdopodobnie najbardziej zwarty i być może najbardziej sprośny film Broken Lizard, Beerfest może pochwalić się paradą nieprawdopodobnych aktorów drugoplanowych i epizodów – wśród nich Cloris Leachman, Donald Sutherland, Will Forte i Willie Nelson – którzy podnoszą absurdalnie głupi film na świetną imprezę. Do dna.
27) Planeta skarbów (2002)
(Zdjęcie: Disney)
Od czasu renesansu Disneya słynne studio może czasami wyglądać na niezwyciężone. Ale nie wszystko, co zrobiło, było hitem. W 2002 roku studio wypuściło Treasure Planet, przygodę science-fiction i unikalną hybrydę animacji 2D i 3D. Chociaż film nie był pierwszym, który na nowo wyobraził sobie powieść Roberta Louisa Stevensona z 1883 roku Wyspa skarbów z elementami science fiction – nie był to też pierwszy raz, kiedy Disney wykorzystał materiał źródłowy – film nadal miał na celu uruchomienie nowej, wyjątkowej serii Disneya w duchu innych animowanych mega-hitów. Mimo że film okazał się klapą kasową, to z czasem zyskał uznanie widzów dzięki swojej spektakularnej wyobraźni i ponadczasowemu poczuciu przygody.
26. Sunshine (2007)
(Zdjęcie: Fox Searchlight Pictures)
Sunshine to film pełen wielkich talentów, który jednak w większości stał się zapomnianą pozycją w dorobku wszystkich widzów. Wydany w 2007 roku i wyreżyserowany przez Danny’ego Boyle’a Sunshine to apokaliptyczny thriller science fiction osadzony w 2057 roku, w którym grupa astronautów podróżuje, aby ponownie rozpalić umierające słońce Układu Słonecznego. W filmie, którego głównym bohaterem jest Cillian Murphy, występują także Chris Evans, Rose Byrne, Michelle Yeoh, Cliff Curtis, Hiroyuki Sanada, Benedict Wong i Mark Strong. Zamiarem Boyle’a było stworzenie międzynarodowej obsady, a nawet kazał swoim aktorom mieszkać razem i uczyć się tajników unikalnych zawodów swoich bohaterów, aby się zanurzyć. Choć „Sunshine” okazał się katastrofą kasową, film ten rutynowo przyciąga uwagę ludzi zaskoczonych jego pilnym założeniem i absurdalną kolekcją znanych talentów.
25) Kałamarnica i wieloryb (2005)
(Zdjęcie: Samuel Goldwyn Films)
Mocno zainspirowany przez scenarzystę/reżysera Noah Baumbacha, który sam dorastał doświadczając rozwodu swoich rodziców, The Squid and the Whale wciela się w Jeffa Danielsa i Laurę Linney jako kłócących się rodziców Walta Berkmana (Jesse Eisenberg), mieszkających w latach 80. na Brooklynie. Nakręcony w Super 16, a nie w bardziej modnym cyfrowym wideo – znaku rozpoznawczym filmów niezależnych przez całe lata – The Squid and the Whale wyjątkowo wygląda i czuje się jak film, który jego bohaterowie obejrzeliby w kinach, aby beznadziejnie uratować swoje rozpadające się relacje. Chociaż wielu zaangażowanych w The Squid and the Whale, w tym Baumbach, osiągnęło dalsze uznanie krytyków i sukces w Hollywood, The Squid and the Whale wydaje się niedoceniony pomimo swoich wartościowych cech.
24. Harold & Kumar Go to White Castle (2004)
(Zdjęcie: New Line Cinema)
Łatwo jest odrzucić Harold & Kumar Go to White Castle jako kolejną głupią komedię z oceną R z rażąco obraźliwym humorem. Bo taka właśnie jest. Ale był to także cichy rewolucjonista w 2004 roku: jego głównymi bohaterami nie była kolejna para krzykliwych, obrzydliwych białych facetów, ale krzykliwi, obrzydliwi Azjaci. John Cho i Kal Penn wcielają się w role najlepszych przyjaciół i współlokatorów, których apetyt na fast food idzie nie tak. Choć film nawet nie stara się udawać, by poczuć się ważnym – jest dosłownie scena, w której Harold i Kumar jeżdżą na gepardzie – ma on swój udział w nieoczekiwanym wzruszeniu, w tym, jak bada rosnące niepokoje millenialsów i uciążliwe oczekiwania rodziców-imigrantów. Nawet jeśli jego szokujący humor nie pozwolił mu zestarzeć się z wdziękiem, Harold & Kumar Go to White Castle wciąż może trafić w sedno.
23. One Hour Photo (2002)
(Zdjęcie: Fox Searchlight Pictures)
Nieprzyjemnie mroczny thriller, w którym Robin Williams gra wbrew typowi jako niespokojny antagonista, One Hour Photo Marka Romanka to mocno skręcony thriller, który wciąż trzyma się po tylu latach. Opowiada historię Sy Parrisha, samotnego technika fotograficznego, który ma sekretną obsesję na punkcie rodziny, której zdjęcia wywoływał przez lata. One Hour Photo był hitem, a krytycy wyróżnili urzekającą kreację Williamsa. Jeśli jednak chodzi o całokształt filmowej spuścizny Williamsa, nie jest to film, który ktokolwiek pamięta. Po śmierci Robina Williamsa w 2014 roku, największą uwagę przyciągnęły jego serdeczne komedie – nie ta, w której gra obłąkanego prześladowcę niewinnej rodziny. Ale czas był bardzo łaskawy dla One Hour Photo, ponieważ media społecznościowe sprawiły, że wszyscy mamy lekką obsesję na punkcie życia innych w sposób, który powinniśmy przyznać, jest niezdrowy.
22. To skomplikowane (2009)
(Zdjęcie: Universal Pictures)
Komedie romantyczne rozkwitły w 2000 roku, a to w dużej mierze dzięki filmowcowi Nancy Meyers. W 2009 roku komedia romantyczna Meyers It’s Complicated radośnie przeciwstawiła się gatunkowym konwencjom dzięki parnej historii skoncentrowanej na dorosłych po pięćdziesiątce. Meryl Streep wcieliła się w Jane, która wznawia sekretny romans ze swoim byłym mężem (Alec Baldwin), zakochując się jednocześnie w architekcie (w tej roli Steve Martin). It’s Complicated był komercyjnym hitem i zdobył kilka godnych uwagi nominacji do Złotego Globu, ale z czasem przepadł w naszej świadomości kulturowej, ponieważ same roman-comy powoli znikały z kin. Po tylu latach It’s Complicated nie jest trudny do uchwycenia, będąc przytulną i chaotyczną przekąską obrazu z nieprzyzwoicie świetnymi, wysokoenergetycznymi występami.
21. Człowiek, którego nie było (2001)
(Zdjęcie: Focus Features)
Trudno powiedzieć z czystą twarzą, że film braci Coen jest „zapomniany”. Ale kiedy ich dorobek obejmuje takie filmy jak Fargo, The Big Lebowski, No Country for Old Men i Inside Llewyn Davis, to tak, może niektóre inne filmy są pomijane. Proszę wejść: Człowiek, którego nie było, świetny thriller z 2001 roku, który oddaje hołd czarno-białemu filmowi noir z lat 40. ubiegłego wieku. Billy Bob Thorton wciela się w rolę kalifornijskiego fryzjera, który próbuje szantażować kochanka swojej żony – będącego jednocześnie jego szefem – by zdobyć pieniądze na inwestycje. Krytycy chwalili film, ale nie przyciągnął on uwagi publiczności, której oczy zwrócone były na dwa inne wielkie hity 2001 roku: Harry Potter i Kamień Filozoficzny oraz Władca Pierścieni: Drużyna Pierścienia. Oba filmy weszły na ekrany kin w przeciągu miesiąca i przyćmiły The Man Who Wasn’t There z listopada 2001 roku.
20. 25. godzina (2002)
(Zdjęcie: Buena Vista Distribution Pictures)
Po wydarzeniach z 11 września 2001 roku nowojorski reżyser Spike Lee podjął się sportretowania kryzysu egzystencjalnego całego miasta w filmie 25th Hour. Oparta na powieści Davida Benioffa (tak, tego samego Davida Benioffa, który współtworzył Grę o Tron dla HBO), 25. godzina wciela się w Edwarda Nortona jako mężczyznę wędrującego po Nowym Jorku, swoim domu, przez ostatnie 24 godziny wolności, zanim trafi do więzienia. Chociaż książka Benioffa została napisana i opublikowana przed 11 września, Spike Lee włączył ataki do swojego filmu jako część przesłuchania miasta i szerszej idei stania na przysłowiowym rozdrożu. Podobnie jak Otwarte miasto Roberto Rosselliniego ukazujące Rzym po nazistowskiej okupacji, 25. godzina Spike’a Lee dokumentuje miasto, które wciąż się odradza. Powinniśmy się cieszyć, że to zrobił.
19. 12 Rounds (2009)
(Źródło zdjęcia: 20th Century Studios)
Zanim kariera aktorska Johna Ceny nabrała prawdziwego rozpędu, jego status supergwiazdy pro wrestlingu został wykorzystany do zagrania w kilku średniej klasy filmach akcji finansowanych przez własną jednostkę filmową WWE, WWE Studios. Podczas gdy jego pierwszy film The Marine jest całkowicie próżnym projektem, mającym na celu sztuczne pobudzenie jego profilu celebryty, jego drugi film 12 Rounds jest o wiele bardziej wciągający. Kierowany przez twórcę kina akcji Renny’ego Harlina, Cena gra agenta FBI, który zostaje zmuszony do zagrania w niebezpieczną grę przez charyzmatycznego handlarza bronią, granego przez Aidana Gillena z Gry o Tron. Choć na pierwszy rzut oka jest to imitacja filmu Die Hard with a Vengeance, John Cena pokazuje, że jest obiecującym aktorem i gwiazdą poza ringiem. Nie dostaną Państwo Johna Ceny w Blockers i Peacemaker, jeśli nie zobaczą go w 12 Rounds.
18. Ocalony! (2004)
(Zdjęcie: MGM)
Sprośna komedia dla nastolatków spotyka się z religijną satyrą w nikczemnie zabawnym Saved Briana Dannelly’ego!. Jena Malone wciela się w chrześcijańską nastolatkę Mary Cummings, która próbuje „wyleczyć” swojego homoseksualnego chłopaka, uprawiając seks przedmałżeński, tylko po to, by zajść w ciążę. Z udziałem Mandy Moore, Macaulaya Culkina i Mary-Louise Parker, Saved jest świętym zamieszaniem, które rozdziera hipokryzję zorganizowanej religii w ramach filmów dla nastolatków a la John Hughes i American Pie. Prawdopodobnie najlepszą częścią filmu jest Mandy Moore; znana przede wszystkim jako gwiazda pop podczas premiery, przejmująca gra Moore jako zadufanego w sobie i apodyktycznego łobuza jest czymś w rodzaju objawienia.
17. Dr. Horrible’s Sing-Along Blog (2008)
(Zdjęcie: Mutant Enemy Productions)
Podczas strajku Amerykańskiej Gildii Scenarzystów w latach 2007-2008, twórca Buffy the Vampire Slayer, Joss Whedon, współtworzył mikrobudżetowy musical, który nie tylko znalazł sposób na zarabianie w trudnym okresie w Hollywood, ale także stworzył coś, co wydawało się nowatorskie i istotne dla ery blogosfery. Wraz z Zackiem Whedonem, Maurissą Tancharoen i Jedem Whedonem wymyślili Dr. Horrible’s Sing-Along Blog, profesjonalnie zrealizowany niezależny musical filmowy, który został, proszę to zrozumieć, udostępniony w Internecie do bezpłatnego streamowania. W 2008 roku było to niewyobrażalnie wielkie wydarzenie. To, że Dr. Horrible’s Sing-Along Blog był również przezabawny i druzgocący we właściwy sposób, jest wisienką na torcie. U szczytu swojej sławy w How I Met Your Mother, Neil Patrick Harris wciela się w rolę aspirującego supervillaina, którego inicjacja do Evil League of Evil wymaga od niego popełnienia ohydnej zbrodni. Zagrał również Felicia Day i Nathan Fillion, Dr. Horrible’s Sing-Along Blog to zabawne i boleśnie piękne ostrzeżenie, że rzeczy, których pragniesz najbardziej, mogą kosztować cię to, czego nie chcesz stracić.
16. Happy-Go-Lucky (2008)
(Zdjęcie: Momentum Pictures)
Pomimo zrobienia gwiazdy z Sally Hawkins, Happy-Go-Lucky – wyreżyserowany przez płodnego brytyjskiego filmowca Mike’a Leigh – spadł pod radar od czasu premiery w 2008 roku. Być może był to odpowiedni moment. W swojej historii o beztroskiej nauczycielce (Hawkins), która zderza się ze znudzonym światem wokół niej, Happy-Go-Lucky opowiada o zaletach utrzymywania pozytywnego nastawienia. Pozytywne nastawienie było dość trudne do utrzymania w późnych latach 2000, a od tego czasu stało się jeszcze trudniejsze. Ale Hawkins emanuje wystarczającą energią, by być może pomyśleć, że bycie szczęśliwym jest w rzeczywistości wyborem, którego można dokonać, zamiast być końcowym rezultatem czegoś innego.
15. Unleashed (2005)
(Zdjęcie: Universal Pictures)
W prawdopodobnie jednym z najlepszych występów Jeta Li jako aktora dramatycznego (proszę się nie martwić, nadal kopie tyłki), w Unleashed Louisa Letteriera gwiazda kung fu wciela się w Danny’ego, wściekłego mężczyznę „wychowanego” przez bezwzględnego gangstera (granego przez Boba Hoskinsa) na jego osobistego ochroniarza. Danny wkrótce trafia pod opiekę niewidomego stroiciela fortepianów (Morgan Freeman) i jego pasierbicy (Kerry Condon), którzy zapewniają Danny’emu środowisko wychowawcze, którego odmawiano mu przez całe życie. Wydany w bezpośredniej konkurencji z Gwiezdnymi wojnami: Zemstą Sithów, Unleashed pozostał w dużej mierze niezauważony i od tego czasu stał się pomijanym klejnotem. Ale Unleashed zawiera tyle samo serca, co mocnych ciosów.
14) Lars i prawdziwa dziewczyna (2007)
(Zdjęcie: MGM)
Zainspirowana natknięciem się na oficjalną stronę internetową RealDoll, scenarzystka/reżyserka Nancy Oliver stworzyła w swoim dramacie Lars and the Real Girl z 2007 roku wzruszającą i sympatyczną wersję greckiej tragedii Pigmalion. Ryan Gosling wciela się w rolę uprzejmego, ale społecznie nieporadnego Larsa, którego romans z realistyczną lalką erotyczną o imieniu Bianca niepokoi wszystkich wokół niego. Chociaż Gosling zrobił karierę grając archetypowego hollywoodzkiego mężczyznę marzeń – w końcu był Kenem Barbie – Lars and the Real Girl pokazuje kameleoniczne atrybuty Goslinga, dając występ, który naprawdę sprawia, że czujesz się bezradny (ale nie beznadziejny) poczucie wartości jego postaci.
13. Me, Myself, & Irene (2000)
(Źródło zdjęcia: 20th Century Studios)
Chociaż założenie satyry na dysocjacyjne zaburzenie tożsamości jest obraźliwe nawet na papierze, Jim Carrey działa na tak wysokim poziomie mocy w czarnej komedii braci Farrelly Me, Myself & Irene, że łatwo się z tego śmiać. (Poważnie, proszę obejrzeć jego „transformację”. Ośmielę się Państwa nie zadziwić tym, co Carrey potrafi zrobić ze swoją twarzą). Carrey wciela się w filmie w postać Charliego, łagodnego policjanta ze stanu Rhode Island, którego lata tłumionego gniewu prowadzą do rozwinięcia bardziej pewnego siebie i brutalnego alter ego. Chociaż większość komedii w filmie opiera się na tym, jak komicznie niewygodne może być rozdwojenie osobowości, Me, Myself & Irene zawiera również mnóstwo szokującego humoru, który trzyma Państwa w napięciu. Nie chodzi o to, że nie można już zrobić wulgarnej komedii, takiej jak Me, Myself & Irene. Chodzi o to, że nikt nie potrafi tego zrobić tak dobrze.
12. Sunshine Cleaning (2008)
(Źródło zdjęcia: Relativity Media)
W zachwycającej niezależnej komedii Christine Jeffs Sunshine Cleaning, Amy Adams i Emily Blunt wcielają się w siostry, które rozpoczynają działalność jako sprzątaczki haniebnych miejsc zbrodni. Choć film zebrał pozytywne recenzje krytyków i był skromnym hitem kasowym, to ogromne gwiazdy zarówno Adams, jak i Blunt sprawiły, że Sunshine Cleaning stało się czymś w rodzaju refleksji w ich karierach. Adams ma na swoim koncie Oscary, a Blunt zagrała we wszystkim, od musicali Disneya po epopeje Christophera Nolana. Niemniej jednak Sunshine Cleaning odnosi sukces jako promienne indie z połowy lat 80. z niezgłębioną mocą gwiazd.
11. Titan A.E. (2000)
(Zdjęcie: 20th Century Studios)
Płodny twórca animacji Don Bluth wydał swój ostatni film kinowy w 2000 roku, przygodową epopeję science fiction zatytułowaną Titan A.E. Akcja rozgrywa się w odległej przyszłości, w której Ziemia została zniszczona, a ludzkość jest koczowniczym gatunkiem rozsianym po gwiazdach, Cale (głos Matta Damona) odkrywa sekret, który pomoże ludzkości dać nowy dom. Titan A.E. okazał się bombą kasową, w dużej mierze ze względu na wysoki budżet produkcji i zwolnienia w Fox Animation Studios, które utrudniały działania marketingowe. W ciągu kilku lat od premiery Titan A.E. stał się jednak kultowym klasykiem, nawet jeśli jest to film, który w mniejszym lub większym stopniu zakończył karierę Blutha jako reżysera filmów głównego nurtu.
10. Better Luck Tomorrow (2002)
(Źródło zdjęcia: Paramount Pictures)
Prawdziwi zagorzali fani serii Fast & Furious wiedzą, że obejmują Better Luck Tomorrow. Wyreżyserowany przez Justina Lina i sfinansowany przez maksymalnie wyczerpane karty kredytowe oraz wkład MC Hammera w ostatniej chwili, Better Luck Tomorrow śledzi losy grupy osiągających ponadprzeciętne wyniki azjatycko-amerykańskich nastolatków, którzy wykorzystują swoje okładki jako wzorowi studenci, aby rozpocząć życie przestępcze. Chociaż w filmie występują przede wszystkim Parry Shen, Jason Tobin i John Cho, pojawia się w nim również Sung Kang, który zadebiutował jako Han, zanim ponownie wcielił się w tę rolę w Fast Saga. Luźno zainspirowany prawdziwym morderstwem kalifornijskiego nastolatka Stuarta Tay’a, Better Luck Tomorrow był przełomowym filmem dla azjatycko-amerykańskiej reprezentacji, który bezpośrednio podważył powszechne mity o „modelowej mniejszości”.
9) Stranger Than Fiction (2006)
(Zdjęcie: Sony Pictures Releasing)
Co by było, gdyby pańskie życie nie było pańskie, lecz dziełem kogoś innego? Taki jest zamysł filmu Marca Forstera Stranger Than Fiction, w którym Will Ferrell wciela się w agenta skarbówki, który zaczyna słyszeć bezcielesny głos opowiadający jego życie jak powieść literacką. Kiedy dowiaduje się, że zgodnie z narracją ma umrzeć, robi wszystko, by do tego nie dopuścić. Ferrell błyszczy w tej przezabawnej metafizycznej walce z przeznaczeniem, wykorzystując swój renomowany talent aktora komediowego, aby bez wysiłku przejść do bardziej dramatycznych przestrzeni. Chociaż Stranger Than Fiction jest zwykle wymieniany jako jeden z poważniejszych filmów Ferrella, wciąż łatwo o nim zapomnieć, gdy znajomi wciąż głośno cytują Talladega Nights i Step Brothers.
8) Igby Goes Down (2002)
(Zdjęcie: MGM)
Na długo zanim został nagradzanym aktorem, Kieran Culkin wystąpił w dramatycznej komedii Burra Steersa Igby Goes Down. Culkin gra sardonicznego nastolatka (Culkin miał wtedy 20 lat), który pracuje w nadgodzinach, aby uwolnić się od swojej apodyktycznej matki i zamożnej rodziny. Najlepiej opisać ten film jako „Buszującego w zbożu” XXI wieku, ponieważ jest to pokaz talentu Culkina do sardonicznych postaci i dobrze napisany portret współczesnego dorastania. Pomaga w tym fakt, że Culkin jest również otoczony przez kilka potężnych gwiazd, w tym Jeffa Goldbluma, Claire Danes, Amandę Peet, Billa Pullmana, Jareda Harrisa i Susan Sarandon, z których wszyscy podnoszą poziom materiału.
7) Vanilla Sky (2001)
(Zdjęcie: Paramount Pictures)
W anglojęzycznym remake’u filmu Alejandro Amenabara Open Your Eyes Camerona Crowe’a, zamożny wydawca czasopism (w tej roli Tom Cruise) zaczyna kwestionować własną rzeczywistość po tym, jak urażona kochanka dobrowolnie doprowadza ich do fizycznie wyniszczającego wypadku. Po części egzystencjalne sci-fi, po części dramat romantyczny, a po części thriller psychologiczny, Vanilla Sky dzięki swojemu onirycznemu kształtowi i niejednoznacznemu zakończeniu jest jednym z bardziej eterycznych filmów w filmografii Cruise’a. Chociaż wiele innych filmów zmaga się z podobnymi pomysłami – filmy takie jak Matrix, Truman Show, Stranger Than Fiction i Synecdoche, New York – Vanilla Sky wyróżnia się własną realizacją błyszczącego surrealizmu.
6) Drag Me to Hell (2009)
(Zdjęcie: Universal Pictures)
Po tym, jak Sam Raimi zakończył swoją trylogię Spider-Mana, Raimi powrócił do swoich korzeni z Drag Me to Hell, demonicznym nadprzyrodzonym horrorem, w którym ambitna i mściwa urzędniczka bankowa (Allison Lohman) zostaje przeklęta przez kobietę, by przetrwać trzy dni udręki, zanim zostanie wciągnięta do piekła na wieczność. Momentami dziwacznie przerażający, a innym razem dziwacznie zabawny, Drag Me to Hell to po prostu Sam Raimi odpalający na własnych cylindrach. W ciągu następnych kilku lat hity takie jak Insidious, The Conjuring i The Babadook na nowo zdefiniowałyby gatunek, ale Drag Me to Hell to niedoceniony klejnot, który naprawdę uosabiał to, jak wyglądały horrory studyjne pod koniec 2000 roku. Nawet teraz jego zakończenie jest tak przerażające w swojej agresywnej naturze.
5) Repo! The Genetic Opera (2008)
(Zdjęcie: Lionsgate)
Jeśli byli Państwo licealistami w późnych latach 2000, są szanse, że widzieli Państwo, a może nawet kochali Repo! The Genetic Opera. Zainspirowany własnymi doświadczeniami scenarzysty Dana Smitha z bankructwem i zajęciem nieruchomości, ten gotycko-rockowy musical wyobraża sobie ponurą przyszłość, w której prywatne firmy medyczne zarabiają na sprzedaży narządów ludziom na podstawie planu płatności; niewywiązanie się z płatności skutkuje „odzyskaniem” tych narządów. W rolach głównych Alexa Vega i Paul Sorvino – a także Paris Hilton w niewielkiej roli – Repo! The Genetic Opera wygląda i sprawia wrażenie, jakby ktoś zmiksował w blenderze grindcore, filmy Takashiego Miike i The Rocky Horror Picture Show. Wciąż jest to warte obejrzenia, nawet jeśli nie jesteś już 17-latkiem śpiewającym piosenki po próbach.
4. DOA: Dead or Alive (2006)
(Zdjęcie: Dimension Films)
Przez tak długi czas film Mortal Kombat z 1995 roku był uważany za jedyny dobry film o grach wideo, dopóki nie pojawiły się bardziej w połowie przyzwoite hity, takie jak Sonic the Hedgehog i The Super Mario Bros. Movie. Miłośnicy tego gatunku wiedzą jednak, że w 2006 roku reżyser Corey Yuen wyreżyserował film DOA: Dead or Alive, będący filmową wersją słynnej serii bijatyk. Z Sarą Carter, Devon Aoki, Holly Valance i Jamie Pressley w rolach głównych, gra otwarcie zdziera z Enter the Dragon – jej założeniem jest turniej sztuk walki odbywający się na egzotycznej wyspie – ale oferuje kilka własnych zwrotów akcji, które sprawiają, że oczy są przyklejone do ekranu. DOA: Dead or Alive jest bezwstydne dzięki swoim wspaniałym dziewczynom, ale jest również wystarczająco stylowe jak film akcji klasy B, aby czuć się wciągającym, a nie jak bezmyślne naciskanie przycisków.
3. Torque (2004)
(Zdjęcie: Warner Bros. Pictures)
Po wyreżyserowaniu teledysków dla tytanów popu, takich jak Britney Spears i Backstreet Boys, Joseph Kahn zadebiutował filmem fabularnym Torque, karkołomnym filmem akcji, który bardziej przypomina grę wyścigową. Z obsadą, w której znaleźli się Adam Scott, Martin Henderson, Jamie Pressly, Jay Hernandez i Christina Milian, Torque podąża za motocyklistą, który ucieka po tym, jak został wrobiony w morderstwo. Na pierwszy rzut oka Torque może wyglądać jak imitacja Szybkich i wściekłych – jest nawet linia, która kładzie nos na twarzy Dominica Toretto – ale wyjątkowy kunszt Kahna sprawia, że Torque jest doświadczeniem w pełni własnym. Prawdziwe maksymalistyczne bombardowanie zmysłów, za którym pewna „rodzina” nigdy nie mogłaby nadążyć.
2. A Scanner Darkly (2006)
(Zdjęcie: Warner Independent Pictures)
Rotoscoping nie jest nową techniką animacji. Została stworzona przez Maxa Fleischera w 1915 roku i była wykorzystywana przez Disneya przez cały XX wiek. Ale w 2006 roku Richard Linklater znalazł sposób na wykorzystanie estetyki rotoskopu jako naszego okna w przyszłość w A Scanner Darkly, jego adaptacji powieści Philipa K. Dicka. W niedalekiej przyszłości Stanów Zjednoczonych tajny oficer stara się oddzielić rzeczywistość od halucynacji wywołanych substancjami psychoaktywnymi. Pomimo ogromnej ilości gwiazd, takich jak Keanu Reeves, Robert Downey Jr, Woody Harrelson i Winona Ryder, A Scanner Darkly nie zdołał zelektryzować box office. Od tego czasu film stał się kultowym ulubieńcem, ponieważ jego niezwykły wygląd wciąż wydaje się tak ekscytujący i świeży, jak również jego niewygodna sceneria coraz bardziej bezradnych Stanów Zjednoczonych zainfekowanych faszystowską policją.
1. Droga do zatracenia (2002)
(Zdjęcie: DreamWorks Pictures)
W 2002 roku Tom Hanks odważył się rzucić wyzwanie swojemu wizerunkowi zdrowego mężczyzny w filmie Sama Mendesa Road to Perdition. W luźnej opowieści o serii manga Lone Wolf & Cub, Hanks gra zabójcę irlandzkiej mafii w Illinois z czasów kryzysu, który ucieka ze swoim synem (Tyler Hoechlin) po tym, jak reszta ich rodziny zostaje zabita. Większość filmowego napięcia tkwi w postaci Michaela Sullivana, który nie pozwala swojemu synowi dorastać tak jak on, ale nadal szkoli go w swoim fachu, unikając rywalizujących gangsterów i jednego konkretnego zabójcy z zimną krwią (Jude Law). Jeśli Road to Perdition miał zmienić markę Hanksa jako aktora, to się nie udało; od tego czasu aktor zagrał więcej dobrych ludzi, w tym prawdziwych ludzi, którzy uratowali życie. Niemniej jednak Road to Perdition to piękny i rozległy obraz o tym, jak wiele robimy, aby chronić nasze dzieci, nawet jeśli oznacza to zmuszanie ich do dorastania, zanim będą na to gotowe.