32 najlepsze filmy z lat 60.

Bez względu na to, jak według Państwa wyglądały lata sześćdziesiąte, proszę pomyśleć jeszcze raz. Ta burzliwa dekada jest wielowymiarowa pod wieloma względami, w tym filmowymi. Ale które filmy z lat 60. są rzeczywiście najlepsze?

W dekadzie charakteryzującej się zmieniającymi się normami społecznymi, nie wspominając o ruchu na rzecz praw obywatelskich i politycznym bagnie, jakim był Wietnam, filmy z lat 60. podobnie odzwierciedlały globalną społeczność w ciągłym ruchu. Awangardowe zagraniczne filmy importowane z Japonii, Włoch, Francji i innych krajów odciągnęły uwagę od sprawdzonych amerykańskich stylów. Przez cały czas twórcy filmowi widzieli, że ich rzemiosłu przeciwstawia się nowa, tańsza alternatywa rozrywki: telewizja. Zamiast jednak oferować wyższy poziom widowiskowości niż skromne budżety telewizyjne, filmy dekady starały się rzucić widzom wyzwanie bardziej wywrotowymi historiami, które na nowo wyznaczały granice akceptowalności.

Podobnie jak wcześniejsze lata 50-te, lata 60-te przewidywały moralne dwuznaczności niedalekiej przyszłości. Gdy zaściankowy Kodeks Haysa stracił swój uścisk, nagła eksplozja Nowego Hollywood – już wcześniej wykluczona przez francuską Nową Falę – dała filmowcom więcej kreatywnego autorstwa, pozwalając im odzwierciedlać w swoich filmach modną kontrkulturę, która przenikała do miast, komun i kampusów uniwersyteckich na całym świecie.

Mając tak wiele klasycznych filmów do wymienienia, oto tylko 32 z najlepszych filmów lat 60-tych.

32. Batman (1966) #

(Zdjęcie: Warner Bros.)

Święte kino, Batmanie! Pierwotnie zaprojektowany przez producenta Williama Doziera tylko po to, by promować serial telewizyjny, film Batman z 1966 roku (w reżyserii Leslie H. Martinsona) reprezentuje obecnie sztukę obozową w całej jej ekstrawaganckiej chwale. Z Adamem Westem w roli, która uczyniła go sławnym, Zamaskowany Krzyżowiec walczy z najbardziej nikczemnymi złoczyńcami Gotham City, którzy połączyli siły jako Zjednoczony Świat Podziemi. Choć nie jest to bynajmniej najlepszy film o superbohaterach, jaki kiedykolwiek powstał, to jego podsumowanie słynnego serialu telewizyjnego – w całości przeniesione na duży ekran – czyni Batmana jednym z najbardziej kolorowych, najbardziej oburzających i rzeczywiście najzabawniejszych filmów komercyjnych w trudnej dekadzie. Naprawdę są takie dni, kiedy po prostu nie można pozbyć się bomby.

31) Barbarella (1968) #

(Zdjęcie: Paramount Pictures)

Kultowy film z najwyższej półki, Jane Fonda występuje w perełce sci-fi klasy B, której atrakcyjność polega na tym, że Jane Fonda jest totalną przystojniaczką w kosmosie. (A Barbarella jest tak autentycznie oglądalna ze względu na zapał Fondy do wszystkiego). Oparty na francuskiej serii komiksów, film podąża za Barbarellą (Fonda), kosmiczną podróżniczką wysłaną w celu odnalezienia naukowca z bronią zdolną do zniszczenia ludzkości. Po tym, jak gwiazdy takie jak Brigitte Bardot i Sophia Loren odrzuciły tę rolę, Fonda wahała się z powodu jej seksualnego charakteru; w tym czasie Fonda była w centrum dwóch skandali związanych z nagością w filmach Circle of Love i The Game Is Over. Ale Fonda została sprzedana, gdy reżyser Roger Vadim powiedział jej, że sci-fi wkrótce stanie się prestiżowym gatunkiem. Mając na uwadze, że do premiery Gwiezdnych wojen pozostało jeszcze dziewięć lat, Vadim miał sporo racji, nawet jeśli Barbarella nie jest dziś tak dużą franczyzą.

30. Parasolki z Cherbourga (1964) #

(Źródło zdjęcia: 20th Century Studios)

W niezapomnianym romantycznym musicalu Jacquesa Demy’ego młoda francuska para pragnie rozpocząć życie wieczne, dopóki nie rozdzieli ich wojna w Algierii. Kiedy nieuchronnie łączą się ponownie, mroźne temperatury ujawniają, że niegdyś gorąca namiętność ostygła. Catherine Deneuve i Nino Castelnuovo wcielają się w czarującą ekranową parę, która reprezentuje uniwersalny dreszczyk emocji związany z byciem młodym i zakochanym, tragedię związaną ze zbyt wczesnym odnalezieniem miłości oraz gorzką akceptację faktu, że życie nie zawsze układa się tak, jak sobie to zaplanujemy. Spośród filmów, które składają się na romantyczną trylogię Demy’ego – w tym Lola (1961) i Młode dziewczyny z Rochefort (1967) – Parasolki z Cherbourga stoją najwyżej jako film najbardziej wierny słodko-gorzkiej efemerydzie młodej miłości.

29. Onibaba (1964) #

(Źródło zdjęcia: Toho)

To film tak przerażający, że przestraszył nawet Williama Friedkina, reżysera Egzorcysty. Opowieść o buddyjskiej przypowieści o przeklętej masce, która karze tych, którzy ją noszą, Onibaba podąża za dwiema kobietami, które zwabiają wędrownych samurajów, aby ich zabić i sprzedać swoje uzbrojenie za pieniądze. Kiedy mężczyzna staje między nimi, starożytne uczucia, takie jak zazdrość i wściekłość, wirują jak wiatry mrocznej, bezbożnej burzy. Makabryczny obraz z niesamowitą energią, będący rozbudowaną metaforą japońskiej traumy po wybuchu bomby atomowej, nabiera dodatkowego znaczenia, gdy wiemy, że scenarzysta/reżyser Kaneto Shindō pochodził z Hiroszimy. Onibaba był jednym z wielu filmów Shindō, w których zmagał się z okropnościami nuklearnej zagłady i jego osobistą rzeczywistością, w której jego dom został zrównany z ziemią, a jego ocaleni pozostali z nieusuwalnymi ranami.

28) Easy Rider (1969) #

(Zdjęcie: Columbia Pictures)

Amerykańska Nowa Fala ruszyła pełną parą wraz z filmem Easy Rider, nowoczesnym westernem, jakiego jeszcze nie było. Wyreżyserowany przez Dennisa Hoppera i napisany przez niego wraz z Peterem Fondą i Terrym Southernem, Easy Rider podąża za dwoma motocyklistami (granymi przez Hoppera i Fondę), którzy jadą z amerykańskiego Południa i wyruszają na zachód z pieniędzmi zarobionymi na lukratywnej transakcji kokainowej. Easy Rider, przełomowy film kontrkultury, w pojedynkę ukształtował nasze zbiorowe słownictwo dotyczące otwartej drogi jako ostatniej granicy przygody i jedynego miejsca na Ziemi, w którym można znaleźć poczucie tożsamości i wolności.

27. Apartament (1960) #

(Źródło zdjęcia: United Artists)

Gdyby tylko ściany mogły mówić. W komedii romantycznej Billy’ego Wildera The Apartment z 1960 roku Jack Lemmon wciela się w ambitnego pracownika firmy ubezpieczeniowej, który w nadziei na awans w swoim miejscu pracy pozwala swoim starszym współpracownikom korzystać z jego mieszkania na Upper West Side do swoich pozamałżeńskich romansów. Sprawy komplikują się, gdy Bud Lemmona zakochuje się we Fran (Shirley MacLaine), która ma romans z szefem Buda. Luźno inspirowany brytyjskim filmem Brief Encounter z 1945 roku i prawdziwym hollywoodzkim skandalem związanym z romansem producenta, który wydarzył się w mieszkaniu jego pracownika, The Apartment to zachwycająca komedia o tym, że nigdy nie należy być zbyt blisko akcji.

26) Zabić drozda (1962) #

(Źródło zdjęcia: Universal Pictures)

Przełomowa powieść Harper Lee z 1960 roku, opowiadająca o prawniku z zasadami, który broni niewinnego czarnoskórego mężczyzny oskarżonego o napaść seksualną, została mistrzowsko zaadaptowana na ekran dwa lata później przez reżysera Roberta Mulligana. Z Gregorym Peckiem w roli Atticusa Fincha i Mary Badham jako jego młodą córką Scout – której perspektywa stanowi główny punkt widzenia opowieści – filmowa wersja Mulligana zyskała uznanie jako amerykański klasyk sam w sobie, będąc czułym i poruszającym studium dorastania w środowisku uprzedzeń. Dzięki niezapomnianemu monologowi obronnemu Fincha (z kamerą Mulligana mądrze przyjmującą perspektywę ławy przysięgłych) To Kill a Mockingbird dał niezliczonym pokoleniom instrukcję, jak stanąć w obronie tego, co słuszne, nawet gdy sprawiedliwości brakuje.

25. Noc żywych trupów (1968) #

(Zdjęcie: Criterion)

Przed The Walking Dead był Night of the Living Dead George’a Romero, który nie tylko wprowadził zombie do amerykańskiego leksykonu popkultury, ale prawdopodobnie zrobił ten gatunek najlepiej. Akcja rozgrywa się w wiejskiej Pensylwanii, a siedmiu ocalałych ukrywa się w gospodarstwie, gdy hordy żywiących się ciałem zwłok nagle ożywają wszędzie. Noc żywych trupów nie tylko napisała podręcznik dla wszystkich horrorów o zombie, ale także obsadzenie czarnoskórego aktora Duane’a Jonesa (w roli głównego mężczyzny Bena) było zarówno rewolucyjne, jak i wyraźnie polityczne, na zawsze zmieniając zombie w dynamiczną i płynną metaforę tego, co człowiek uważa za potworne w swoim rozdzierającym serce zakończeniu.

24. Planeta małp (1968) #

(Zdjęcie: 20th Century Studios)

Luźno oparta na powieści Pierre’a Boulle’a z 1963 roku, filmowa wersja Planety Małp Franklina J. Schaffnera z Charltonem Hestonem w roli astronauty, który ląduje na obcej planecie, gdzie ludzkość jest prymitywna, a gadające małpy przejęły dominację jako najbardziej inteligentny gatunek. Podczas gdy Planeta Małp dała początek całej serii, oryginał Schaffnera to imponujące dzieło science fiction, które jest zarówno spektakularne pod względem technicznym, jak i duchowo niepokojące. Wszystkie te lata później, Planeta Małp nadal uderza mocno jako potężne ostrzeżenie przed aroganckim podejściem ludzkości do jej miejsca w łańcuchu pokarmowym.

23. Mandżurski kandydat (1962) #

(Zdjęcie: United Artists)

Oparty na powieści Richarda Condona, ten mroczny thriller psychologiczny Johna Frankenheimera jest jednym z najważniejszych obrazów zimnej wojny, który wykorzystał powszechną w tamtych czasach paranoję na temat wrogów czających się od wewnątrz. Wydany zaledwie rok przed zabójstwem JFK, film opowiada o weteranie wojny w Korei, Raymondzie Shaw (Laurence Harvey), który zostaje nieświadomie poddany praniu mózgu przez komunistów i odesłany do Stanów Zjednoczonych w celu zabicia kandydata na prezydenta. Z udziałem Franka Sinatry, Janet Leigh i Angeli Lansbury, ten formacyjny thriller szpiegowski obfitujący w politykę i spiski na stałe ustawił poprzeczkę dla wszystkich późniejszych thrillerów szpiegowskich. Jego innowacje w gatunku są nadal widoczne we współczesnych filmach o podobnym charakterze, od Tożsamości Bourne’a po Kapitana Amerykę: Zimowego żołnierza. Równie potężny współczesny remake ukazał się w 2004 roku, z Denzelem Washingtonem, Lievem Schrieberem i Meryl Streep w rolach głównych.

22. Boso w parku (1967) #

(Źródło zdjęcia: Paramount Pictures)

Jane Fonda i Robert Redford nigdy nie byli zabawniejsi i gorętsi niż jako para nowożeńców, którzy wracają z miesiąca miodowego, by zmierzyć się z poczuciem humoru rzeczywistości. Po wprowadzeniu się do pięciopiętrowego apartamentu na Manhattanie, swobodna Corie (deliryczna Fonda) i nieco bardziej spięty Paul (Redford, który może pochwalić się ostrym komediowym timingiem) dowiadują się, co tak naprawdę oznacza mieć i trzymać, gdy ich pierwsze kilka miesięcy razem nie jest tym, co każde z nich sobie wyobrażało. Chociaż fabuła jest lekka jak piórko, film – oparty na sztuce Neila Simona i wyreżyserowany przez Gene’a Saksa – przetrwa dzięki promiennej charyzmie jego przystojnej obsady.

21) Mary Poppins (1964) #

(Źródło zdjęcia: Disney)

Jeden z największych hitów Disneya pojawił się w latach 60., a Julie Andrews i Dick Van Dyke tańczyli i śpiewali o zaletach bardziej zaangażowanego życia rodzinnego. W edwardiańskim Londynie magiczna kobieta leci z nieba, aby odpowiedzieć na wezwanie dzieci Banksów o „Idealną Nianię”. Jest nią Mary Poppins (Andrews), najbardziej tajemnicza istota, która jest zarówno łagodna, jak i stanowcza, i dokładnie ta łyżeczka cukru, której rodzina Banksów potrzebuje, aby znów być całością. Olśniewający technicznie i zdrowy w sercu, Mary Poppins jest jednym z najbardziej kultowych i odnoszących sukcesy filmów akcji Disneya w historii i nie bez powodu. Cóż innego można powiedzieć niż „Supercalifragilisticexpialidocious!”.

20) Tokyo Drifter (1966) #

(Źródło zdjęcia: Nikkatsu)

Hołd Seijuna Suzukiego dla westernów o rewolwerowcach ma formę jego niewiarygodnie stylowego filmu gangsterskiego Tokyo Drifter, opowiadającego o zreformowanym zabójcy imieniem Tetsu (Tesuya Watari), który znalazł się w środku rywalizujących gangów próbujących skonsolidować władzę. Suzuki, znany ze swojego ekscentrycznego stylu wizualnego, został po raz pierwszy zmuszony przez studio do stonowania swojej ekranowej wrażliwości; studio dało mu niewielki budżet, aby upewnić się, że Suzuki koloruje zgodnie z ich liniami. W odwecie Suzuki czerpał inspirację z filmów muzycznych z lat 50-tych, absurdalnych komedii i rodzącej się sceny pop-artu, aby stworzyć swój najbardziej surrealistyczny obraz do tego momentu. Ta filozofia buntu jako deklaracji przenika przez pory Tokyo Drifter, jego powściągliwy maksymalizm zawarty w kadrach tworzy doświadczenie, w którym nie można zapomnieć, jak się czuje, nawet jeśli nie można zrozumieć, co się dzieje.

19) Butch Cassidy i Sundance Kid (1969) #

(Zdjęcie: 20th Century Studios)

Klasyczny western Georgy’ego Roya Hilla, napisany przez Williama Goldmana, z Paulem Newmanem i Robertem Redfordem w rolach najfajniejszych i najbardziej nietykalnych banitów kina, którzy desperacko uciekają do Boliwii. Czy uda im się przeżyć? Odpowiedź na to pytanie jest mniej interesująca niż bogata, porywająca podróż, którą Butch Cassidy (Newman) i Harry Longabaugh, znany jako „Sundance Kid” (Redford) wyruszają przez cały film, będąc partnerami w zbrodni, których ścisła więź czyni ich patronami braterstwa i bromance. Choć niepopularny w momencie premiery, Butch Cassidy i Sundance Kid zyskał szacunek jako film, który świadczy o tym, że największą nagrodą nie są bogactwa, z którymi się ucieka, ale doświadczenia, które można zebrać z tymi, którzy są najważniejsi.

18. Ciężka noc (1964) #

(Zdjęcie: United Artists)

Wszystkie teledyski, filmy dokumentalne o gwiazdach rocka, filmy koncertowe i TikTok są dłużnikami A Hard Day’s Night. Kalejdoskop komedii i muzyki, film Richarda Lestera, pełen szybkich cięć i ręcznej histerii, uchwycił The Beatles u szczytu Beatlemanii. Ale zamiast być pobłażliwym, zarozumiałym dokumentem o dramacie i zmęczeniu wywołanym sławą, A Hard Day’s Night pokazuje rockmanów z Liverpoolu wywołujących zamieszanie wszędzie, gdzie się pojawią – bez żadnej prawdziwej historii w zasięgu wzroku. Od trollowania ankieterów rutynami w stylu braci Marx po ucieczkę przed wrzeszczącymi fanami, którzy poruszają się jak roje szerszeni, A Hard Day’s Night jest mniej Taylor Swift: The Eras Tour, a bardziej francuską Nową Falą w swoim swobodnym psotniku i pomysłowości.

17. Ptaki (1963) #

(Zdjęcie: Universal Pictures)

Po Alfredzie Hitchcocku już nigdy nie widzieliśmy stad ptaków w ten sam sposób. W tym kultowym horrorze z 1963 roku, opartym na opowiadaniu Daphne du Maurier z 1952 roku i luźno zainspirowanym dziwacznym masowym atakiem ptaków w mieście Capitola w Kalifornii dwa lata wcześniej, agresywne ptaki terroryzują mieszkańców sennego miasteczka. Zabójcze wrony i gołębie mogą wydawać się banalne na papierze, ale filmowy suweren, taki jak Hitchcock, dostarcza zimny jak kamień klasyk horroru, w którym natura wciąż utrzymuje swoją dominację bez względu na postęp naukowy ludzkości. Dzięki mistrzowskiemu wykorzystaniu ciszy i kunsztu wczesnych efektów specjalnych, Ptaki nigdy nie przestaną wzbijać się w powietrze – i sprawią, że uciekniemy za osłonę.

16. Absolwent (1967) #

(Zdjęcie: Embassy Pictures)

Romantyczny dramat Mike’a Nicholsa, wczesny niezależny hit filmowy, fachowo uchwycił niespokojnego ducha młodzieży lat 60. w opowieści o absolwencie college’u (Dustin Hoffman), który rozpoczyna romans ze starszą kobietą (Anne Bancroft), jednocześnie zakochując się w jej córce Elaine (Katharine Ross). Wyciągnięcie niezapomnianego zakończenia, w którym dwa gołąbki powoli zdają sobie sprawę z miażdżącej skali swoich działań, było geniuszem ze strony Nicholsa. Nie mówiąc aktorom, co mają robić po wejściu do autobusu, ich fizyczne zmęczenie odzwierciedla duchową ambiwalencję. Gdy zarówno Hoffman, jak i Ross przestają się uśmiechać podczas zaskakująco długiego ujęcia, ich zmęczone miny ujawniają niepewność bohaterów, czy miłość jest wystarczająco silna, by trwać.

15. Cool Hand Luke (1967) #

(Zdjęcie: Warner Bros.)

Jeden z wielu kultowych amerykańskich filmów, które reprezentują kontrkulturowy bunt podczas wojny w Wietnamie, Cool Hand Luke reżysera Stuarta Rosenberga z Paulem Newmanem w roli więźnia z Florydy, który nie pozwala, by łańcuchy go powstrzymały. Film został napisany przez Donna Pearce’a, którego własna przeszłość kryminalna i dwa lata spędzone w gangach łańcuchowych Departamentu Więziennictwa na Florydzie zainspirowały zarówno jego powieść, jak i film. Inspirujący i poruszający Cool Hand Luke to praktycznie film instruktażowy o tym, jak zachować spokój i przechytrzyć wszystkich innych we wrogim miejscu, które chce, abyś padł martwy.

14) Dobry, zły i brzydki (1966) #

(Zdjęcie: MGM)

Sergio Leone spędził lata 60. definiując włoskie westerny swoją trylogią Dollars, która śledzi koczownicze wyczyny Człowieka bez imienia (Clint Eastwood). W ostatnim filmie po A Fistful of Dollars (1964) i For a Few Dollars More (1965), obraz Leone podąża za trzema rewolwerowcami – granymi przez Eastwooda, Eli Wallacha i Lee Van Cleefa – którzy ścigają się, aby znaleźć zakopane złoto Konfederacji podczas amerykańskiej wojny secesyjnej. Chociaż osobiste opinie na temat tego, która z trylogii jest najlepsza, są różne, to Dobry, zły i brzydki jest po prostu zbyt epicki, by go zignorować i pozostaje prawdopodobnie najbardziej emblematycznym ze wszystkich spaghetti westernów. Pomiędzy niezapomnianymi zdjęciami i operową przemocą, twórcy filmów akcji spędzili dziesięciolecia czerpiąc inspirację z trwałego arcydzieła Leone.

13. Dziecko Rosemary (1968) #

(Zdjęcie: Paramount Pictures)

Zimnym pocieszeniem jest fakt, że nigdy nie widzą Państwo twarzy dziecka. W psychologicznym horrorze Romana Polańskiego Mia Farrow gra młodą żonę na Manhattanie, która podejrzewa, że może być celem jej sąsiadów, aby urodzić coś nieświętego. Film Polańskiego – w którym wystąpili również John Cassavetes, Ruth Gordon, Mauriece Evans i Charles Grodin w swoim debiucie filmowym – to przejmujący i bardzo mroczny thriller o utracie przez kobietę sprawczości (żałośnie ironiczne ze strony Polańskiego) i o tym, jak marsz społeczeństwa XX wieku w kierunku sekularyzmu może być zgubą ludzkości. Rosemary’s Baby był po prostu przed zakrętem, ponieważ histeria związana z kultami satanistycznymi szybko zajęłaby dominujące miejsce w nagłówkach gazet w latach siedemdziesiątych i osiemdziesiątych.

12. Lawrence z Arabii (1962) #

(Zdjęcie: Columbia Pictures)

Czy czyjeś życie może być tak epickie, że staje się jednym z najlepszych filmów przygodowych w historii? XX-wieczny brytyjski archeolog, oficer wojskowy i pisarz T. E. Lawrence najwyraźniej prowadził takie życie, które stało się kanwą filmu Davida Leana Lawrence z Arabii. W roli głównej Peter O’Toole, który w tamtym czasie był nieznanym aktorem, ale był lubiany przez Leana (z jego filmu z 1960 roku Dzień, w którym obrabowali Bank Anglii), film podąża za Lawrence’em przez Imperium Osmańskie podczas I wojny światowej. Sam film bada trudności Lawrence’a w pogodzeniu się z przemocą i jego podzieloną lojalność między Wielką Brytanią a nowo odkrytymi sojusznikami w siłach arabskich. Spektakularny przebój kinowy w erze, w której nie powstało ich zbyt wiele, Lawrence z Arabii galopuje z dzikością i poczuciem przygody, którego nie zobaczymy aż do Raiders of the Lost Ark prawie 20 lat później.

11) Wysoko i nisko (1963) #

(Zdjęcie: Toho)

Akira Kurosawa nie bez powodu zasłynął jako reżyser wiecznych samurajskich eposów. Ale nawet gdy odchodzi od własnych zygzaków, słynny artysta zachowuje wszystkie swoje najlepsze cechy, takie jak teatralna formalność i silna wola bohaterów ścierających się z opresyjnymi siłami. Proszę wejść: High and Low, dynamiczny, precyzyjnie skomponowany dramat kryminalny Kurosawy z 1963 roku. Oparty na powieści King’s Ransom autorstwa Eda McBaina, bogaty dyrektor (Toshiro Mifune) dowiaduje się, że jego syn został porwany i przetrzymywany dla okupu, rozpoczynając spoconą, pędzącą do przodu fabułę, w której czas jest najważniejszy. Zamieniając samurajską zbroję na eleganckie koszule i krawaty, Kurosawa zastanawia się nad powojennym odrodzeniem Japonii. Reżyser widział, jak japońskie społeczeństwo szybko ewoluuje w kierunku nowoczesności. Ale jakim kosztem?

10) „From Russia With Love” (1963) #

(Zdjęcie: United Artists)

Kontynuacja Jamesa Bonda, która zdmuchnęła z wody nawet swojego najważniejszego poprzednika Dr. No, reżyser Terence Young i aktor Sean Connery ponownie połączyli siły w From Russia With Love, tym razem, aby opowiedzieć historię Bonda pomagającego pięknej radzieckiej uciekinierce (Daniela Bianchi) w ucieczce ze szponów SPECTRE. Z największym szpiegiem MI6 zanurzonym w zimnowojennych napięciach, From Russia With Love utrzymuje się w rarytasowym powietrzu jako jedna z najlepszych kontynuacji Bonda, jaka kiedykolwiek powstała, będąc jednocześnie szorstkim, seksownym i ekscytującym hitem. Nie bez znaczenia jest również fakt, że film został okraszony jedną z najlepszych piosenek Bonda wszech czasów, zaśpiewaną przez croonera Matta Monro.

9. Pierrot le Fou (1965) #

(Zdjęcie: Société Nouvelle de Cinématographie (SNC))

Jean-Luc Godard spędził lata 60. na umacnianiu swojej pozycji we francuskiej Nowej Fali dzięki takim filmom jak Bez tchu (1960), Vivre sa vie (1962) i Band of Outsiders (1964). Jednak szczyt formy Godarda nastąpił w 1965 roku wraz z Pierrot le Fou, żywym i kolorowym eksperymentalnym filmem drogi o mężczyźnie (Jean-Paul Belmondo), który ucieka z opiekunką swojego dziecka i byłą kochanką (Anna Karina), aby zostawić za sobą ich bulwarowy świat. Pomnik pop-artu pełen zmysłowości, skazanego na porażkę romansu i gruzów zburzonej czwartej ściany, Pierrot le Fou nie tylko potwierdził status autorski Godarda, ale także pokrył go złotem.

8) Śniadanie u Tiffany’ego (1961) #

(Zdjęcie: Paramount Pictures)

Audrey Hepburn nie tylko ugruntowała swoją sławę dzięki Śniadaniu u Tiffany’ego reżysera Blake’a Edwardsa, ale także zagwarantowała sobie nieśmiertelność. W tym gigancie komedii romantycznej Hepburn gra Holly Golightly, ekscentryczną towarzyską, która zakochuje się w walczącym pisarzu (George Peppard). Pomijając rasistowski portret japońskiego sąsiada w wykonaniu Mickeya Rooneya, Śniadanie u Tiffany’ego to żywiołowy i szykowny film, który bierze miłość do serca i ubiera ją w modny strój. Wygląd Hepburn jako Holly pozostaje wszechobecny jako symbol ponadczasowego piękna i trudno się z tym nie zgodzić. Wystarczy jedno jej spojrzenie w obiektyw kamery Edwardsa, a każdy z nas jest o krok od drogich szpilek.

7) La Dolce Vita (1960) #

(Zdjęcie: Columbia Pictures)

Nazwisko Frederico Felliniego jest synonimem dobrego włoskiego kina, a La Dolce Vita to jeden z jego najtrwalszych hitów. Film opowiada o dziennikarzu celebrycie (w tej roli niesamowicie wyluzowany Marcello Mastroianni, emanujący swawolą w każdym kadrze), który spędza gorączkowy tydzień na przemierzaniu Rzymu – starożytnego miasta opanowanego przez blichtr i przepych – w poszukiwaniu czegoś czystego. Szczycący się unikalną strukturą fabularną i ostrym humorem, La Dolce Vita rozkoszuje się dekadencją prosperującej powojennej cywilizacji, jednocześnie przepowiadając zatrucie społeczeństwa toksynami sławy.

6) Dzika banda (1969) #

(Zdjęcie: Warner Bros.)

Sam Peckinpah dał westernowi ostatnią szansę w filmie Dzika banda, opowiadającym o starzejących się banitach, którzy z trudem przystosowują się do modernizującego się XX wieku i odchodzą w blasku chwały. Chociaż westerny nie wyginęły całkowicie, to w latach 60. gatunek ten znacznie stracił na popularności i od tego czasu nigdy jej nie odzyskał. To tylko sprawia, że bombardowanie hukiem prochu i rykoszetami pocisków, które podkreślają wybuchowy finał Peckinpaha w Agua Verde, przypomina pokaz sztucznych ogni upamiętniający niezliczonych bohaterów w białych kapeluszach i łotrów w czarnych kapeluszach, którzy uświetnili srebrny ekran od początku Hollywood. Po „Dzikiej bandzie” westerny odjechały w stronę zachodzącego słońca i nigdy nie oglądały się za siebie.

5. 8 ½ (1963) #

(Zdjęcie: Columbia Pictures)

Włoski filmowiec Frederico Fellini, w swoim filmie opowiadającym o zmaganiach z utrzymaniem autorstwa i indywidualności w dziedzinie podlegającej publicznej kontroli, słynnie zwrócił kamerę na siebie. W ósmym filmie Felliniego (stąd tytuł), aktor Marcello Mastroianni wcielił się w rolę Guido Anselmiego, reżysera desperacko próbującego zachować swoją tożsamość poprzez rygorystyczny, samoniszczący się proces kierowania wysokobudżetowym filmem science fiction. Przez cały czas Guido myśli o różnych kobietach w swoim życiu. Surrealistyczna meta-czarna komedia, która zaciera linie wyznaczające kayfabe, 8 ½ jest słusznie uważana za jeden z najlepszych filmów o kręceniu filmów, jakie kiedykolwiek powstały.

4. West Side Story (1961) #

(Zdjęcie: United Artists)

Jak rozwiązać taki problem jak Maria? W tym unowocześnionym Romeo & Juliet osadzonym w rasistowskich gangach ulicznych Nowego Jorku, Natalie Wood i Richard Beymer grają zakochanych w sobie kochanków, którzy zakochują się w sobie, stojąc po przeciwnych stronach wojny. Oryginalna wersja musicalowego romansu z 1961 roku – wyreżyserowana przez Roberta Wise’a i Jerome’a Robbinsa – odważnie traktuje ekran jak scenę, ze złożoną choreografią, żywą paletą kolorów i dynamicznym ruchem kamery, które wywarły wpływ na Michaela Baya (który chwalił film w wywiadzie dla New York Timesa z 2001 roku) i Stevena Spielberga, który wyreżyserował swój własny remake w 2021 roku. Kiedy oglądasz West Side Story, stajesz się fanem na całe życie, od pierwszego papierosa do ostatniego umierającego dnia.

3) Oczy bez twarzy (1960) #

(Zdjęcie: Lux Compagnie CinÉmatographique de France)

Choć przełomowy horror Georges’a Franju z 1960 roku Oczy bez twarzy wyprzedził większość slasherów, jego wstrząsająca opowieść i okrutna przemoc wyznaczyły standardy, które później utrzymali mistrzowie gatunku, tacy jak John Carpenter i Wes Craven. Mimo to „Oczy bez twarzy” nie przypominają żadnego innego horroru, który widzieli Państwo wcześniej, będąc jednocześnie poetyckim i makabrycznym. Film opowiada o znanym chirurgu plastycznym (w tej roli Pierre Brasseur), który porywa piękne młode kobiety, by rzeźbić w ich ciele i naprawiać tragiczne oszpecenie swojej córki. Édith Scob wciela się również w rolę córki doktora, która przywdziewa upiorną białą maskę, która wydaje się być zapowiedzią przyszłych ikon, takich jak Michael Myers i Jason Voorhees. Tutaj to, co piękne i makabryczne, jest mało prawdopodobnym towarzyszem celi.

2. 2001: Odyseja kosmiczna (1968) #

(Zdjęcie: MGM)

Żaden film nie definiuje lat sześćdziesiątych, a mimo to nie czuje się tak poza czasem jak 2001: Odyseja kosmiczna Stanleya Kubricka. Po dwóch megaklasykach, Lolita (1962) i Dr. Strangelove (1964), Kubrick spojrzał w gwiazdy z majestatycznym eposem science fiction, który adaptuje opowiadanie Arthura C. Clarke’a „The Sentinel”. Zakres 2001 jest ogromny, ponieważ film obejmuje dosłownie eony od początków ludzkości naczelnych do, jak przewiduje Kubrick, naszego wyrafinowania jako gatunku latającego w kosmosie. Ale bez względu na to, jak daleko posunie się postęp, człowiek wciąż podlega niewytłumaczalnej przemocy. I tak, podczas podróży Discovery One na Jowisza, sztuczna inteligencja HAL 9000 ma kilka własnych pomysłów na przetrwanie, niż mogłoby się to podobać jej panom. Pięknie skomponowana i złowieszcza w innym sensie świata, 2001: Odyseja kosmiczna przeskoczyła kino do przodu z odrobiną czarnego monolitu.

2001: Odyseja kosmiczna£7.99 na Amazon£8.19 na Hit£9.69 na Hive Books

1. Psychoza (1960) #

(Źródło zdjęcia: Paramount Pictures)

Z piękną Janet Leigh, butelką syropu czekoladowego Hershey’s i pulsującym utworem Bernarda Herrmanna, Alfred Hitchcock stworzył filmowe arcydzieło, które zajrzało głęboko w naszą psychikę i odkryło to, co nas wszystkich przeraża. Przepełniony czerwonymi śledziami, czarną komiczną ironią i gęstą symboliką, która mogłaby wypełnić wykład z freudowskiej psychoanalizy, najbardziej rozpoznawalny film Hitchcocka przetrwał jako imponujący gigant, który na nowo zdefiniował akceptowalność kina komercyjnego dla smaku i wprowadził innowacje w konwencjach współczesnego horroru. Oparta na książce Roberta Blocha o tym samym tytule historia rozgrywa się głównie w niesamowitym motelu Bates, nadzorowanym przez ekscentrycznego właściciela Normana Batesa (Anthony Perkins), który skrywa mroczną tajemnicę. Chociaż Psychoza, co zrozumiałe, zrodziła franczyzę, która obejmuje popularny serial telewizyjny Bates Motel, Psychoza sama w sobie jest filmem, który zmienił wszystko.